La palabra "diseño" se usa para referirse al proceso de programar, proyectar, coordinar, seleccionar y organizar una serie de factores. y elementos con miras a la realización de objetos destinados a producir comunicaciones visuales, se usa también en relación con los objetos creados por esa actividad. El verbo "diseñar" se usa en relación con el proceso mencionado y no como sinónimo de dibujar, aunque esta acción pueda a veces ser parte de ese proceso. La palabra "gráfico" califica a la palabra "diseño", y la relaciona con la producción de objetos visuales destinados a comunicar mensajes específicos. Entonces, "gráfico" no significa dibujos, grabados, figuras, grafismos ni ornamentos, como puede ser el caso en otros contextos. Entonces, en función de proponer una definición inicial, se podría decir que el diseño gráfico, visto como actividad, es la acción de concebir, programar, proyectar y realizar comunicaciones visuales, producidas en general por medios industriales y destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos determinados. Un diseño gráfico es un objeto creado por esa actividad.
Objetivo: el diseño debe tener una razón de ser, una clara intención y un público objetivo bien definido. Estética: interacción del arte, sus recursos plásticos y técnicos. El diseño de calidad debe ser consecuente con las tendencias y perfiles del público objetivo a quien va dirigido Proyección: novedad y autenticidad en la divulgación de un mensaje.
En un principio, el hombre no sabía escribir ni había algún invento o instrumento que le permitiese dejar testimonio de cómo era su modo de vida en aquellos tiempos, por lo que sus primeras manifestaciones artísticas se basaron en instintos de supervivencia los cuales se vieron relacionados con su pensamiento religioso o de hechicería y que como consecuencia de aquel modo de pensar los llevo a representar en imágenes y figuras aquello que evocaba su propia realidad, como por ejemplo en las pinturas paleolíticas donde principalmente se encontrarían imágenes de animales debido a que en esos tiempos su mayor preocupación era la caza y en algunos casos figuras humanas que parecían hechiceros con piel de animales. CARACTERÍSTICAS DE LA PREHISTORIA - El formato de trabajo en el cual realizaban sus pinturas tales como los murales en formas parietales o de bulto. - El uso de colores como el negro, rojo y ocre obtenidos de manera natural. - No existen referencias de un espacio o paisaje real determinado sino más bien “flotan” en un espacio vacío. - Los signos prehistóricos que hacían alusión al sexo de un determinado animal o a la organización por tribus o familias. CARACTERÍSTICAS DEL DISEÑO GRÁFICO - El formato y tipo de papeles, cartulinas, lienzos, etc. de tamaños y formas preestablecidas. - Actualmente cuenta con más de 60,000’000 matices de colores luz. - Se trabaja en un espacio predeterminado de manera que sea una lectura universal (como por ejemplo los distintos tipos de planos). - Los signos o señalética que hoy en día nos hacen referencia a una infinidad de significados( como por ejemplo el signo de la cruz que es además un símbolo mundial).
Es diseñador gráfico desde cuando la disciplina no se llamaba así. Es decir que primero fue dibujante publicitario. Durante varios años se dedicó a la pintura. Desde 1960 trabajó en talleres de arte de diversas agencias de publicidad, entre ellas Nova Propaganda cuya dirección de arte la ejercía Pedro Pont Vergés. Colaboró con proyectos de arquigráfica para el estudio Gramática/Guerrero /Morini/Pisani/Urtubey. Integró desde 1963 hasta 1979 el equipo de diseño de los SRT (Canal 10 y Radio Universidad) y diseñó el logo que aún hoy distingue a ese Canal. Dirigió junto a Guillermo López el cortometraje “Pinito y la Estrella” que fue aceptado en la muestra de Cine para Televisión de Cannes en el año 1964. Integró el Grupo Piloto de Cine de la Escuela de Artes de la UNC que dio origen a la creación de la Escuela de Cine de esa casa de estudios. Fue director de arte, ilustrador y diseñador de varias publicaciones semanales de Córdoba. Entre ellas, “Jerónimo” y “Estadio” (1970).
Desde 1979 y hasta 2005 se desempeñó como director de arte y diseñador del diario “La Voz del Interior”. En ese carácter integró equipos para el rediseño del diario en los años 1980, 1995 y 2001. En 2004 diseñó el diario “Día a Día” de la ciudad de Córdoba. En la actualidad sigue colaborando con diseños en “La Voz del Interior” y otras publicaciones.
Rubén Fontana
Rubén Fontana nació en Buenos Aires en 1942.
Desde hace 40 años dirige el estudio Fontanadiseño desarrollando una diversa actividad profesional en Argentina y Latinoamérica.
En los últimos quince años, el equipo liderado por Rubén Fontana se ha especializado en el diseño e implementación de programas integrales de Identidad Institucional y Corporativa.
Incorporó la enseñanza de la Tipografía a la carrera de Diseño Gráfico de la Universidad de Buenos Aires y hasta 1997 fue titular de las cátedras de Tipografía I, II y III en esa carrera.
En la misma universidad dictó posgrados de Tipografía y fue profesor titular de la cátedra de Diseño Editorial. Ha dictado conferencias, posgrados y maestrías en distintas escuelas y universidades de la Argentina, Brasil, Canadá, Colombia, Cuba, Chile, México, Paraguay, Perú, Uruguay, España y Holanda.
Actuó como jurado académico en concursos docentes y profesionales, entre ellos el Type Directors Club y Punto Sur de Nueva York. Su trabajo gráfico figura, entre otras, en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Es director de la revista tipoGráfica, publicación especializada que se edita en la Argentina desde 1987.
Milton Glaser.
Milton Glaser, Nueva York, 1929, Ilustrador y diseñador muy prolífico conocido sobre todo por sus diseños para discos y libros.
Glaser estudio en la conocida Cooper Union entre 1948 y 1951 para continuar su formación en la Academia de Bellas Artes de Bolonia con el pintor Giorgio Morandi. Fundó con Seymour Chwast el Push Pin Studio para, en 1974, crear su propia compañía.
Ha creado más de 300 carteles entre los que se cuenta el famoso de Bob Dylan, un símbolo de los años sesenta. Glaser se ha dedicado al diseño editorial y a la identidad corporativa. En el primer campo ha trabajo para publicaciones como Paris Macht, L´Express, Esquire o Village Voice y La Vanguardia (1987-1989) para realizar un cambio en esta publicación coincidiendo con su paso al color.
En identidad corporativa, desde finales de los setenta se encargó de un gran proyecto para la compañía Grand Union, una cadena de supermercados en los Estados Unidos. También creó el logo de DC Comics. En 1981 creó el conocido símbolo para la campaña I Love New York. El estilo de Glaser se caracteriza por el eclecticismo y esta influido por numerosas fuentes si bien siempre ha dado a la ilustración una importancia grande. Ha diseñado algunos tipos de letra, la mayoría de carácter decorativo y escasamente legibles, como reflejo de esta orientación suya muy alejada de la ortodoxia metodológica. Su concepción creativa se acerca más a la de un artista tradicional que expresa en su obra una particular visión del mundo.
Neville Brody
es un diseñador británico nacido el 23 de abril de 1957 en Londres.
Brody se formó en el London College of Printing entre 1976 y 1979. Sus primeros trabajos fueron cubiertas de discos para sellos independientes en lo que ya podía apreciarse un interés por el diseño de los años veinte y un alejamiento de las convenciones de las tendencias de la década de los setenta.
En 1981 se convirtió en director de arte de The Face para la que diseñó Typeface Six una nueva tipografía, que recogía las influencias del punk y las nuevas corrientes de la new wave.
The Face, de la mano de Brody rompió con la tradición del diseño editorial respetuosa con la estructura reticular y los principios de funcionalidad. Brody comenzó a alterar las convenciones tipográficas usadas para la jerarquización de la información. Otras publicaciones en las que trabajó fueron Arena y City Limits. Podrían resumirse sus principales ideas como un rechazo a la concepción del diseño como solución de problemas.
Hacia 1988 hizo del ordenador personal la principal herramienta de trabajo y comenzó a diseñar nuevas fuentes tipográficas han sido distribuidas por Linotype. En 1988 apareció la primera monografía sobre su obra, The graphic language of Neville Brody, al tiempo que se celebraba una exposición en el Victoria and Albert Museum que ejerció una influencia destacada en toda Europa.
El uso del ordenador ha provocado una evolución importante en su estilo que se ha dulcificado notablemente con un mayor uso del color frente a la sobriedad de su primera etapa. Incluso el diseño de sus nuevas fuentes tipográficas para Fontshop, algunas en colaboración con el tipógrafo Erik Spiekermann, responden a un estilo más desenfadado. Su creciente fama le ha permitido acceder a otro tipo de proyectos, inhabituales en un grafista, como la identidad corporativa de la televisión austríaca (ORF) y el canal alemán codificado Première.
La Bauhaus fue la escuela alemana artística en la que se unificaron la arquitectura las artes plásticas y la artesanía, que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, acaparando un gran abanico de posibilidades de expresión como en las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuario teatrales. Con tan solo catorce años de existencia logro gozar de muy buena fama llevándolo al calificativo que aun se manifiesta de “estilo bauhaus”. Fue fundada en Weimar en 1919 por el arquitecto Walter Gropius quien unió las antiguas escuela Superior de arte del Gran Ducado y la escuela de Artes y Oficios, dando así origen a la Bauhaus estatal de Weimar, en la que la principal intencion era la simplicidad de la forma reduciendo el objeto a la mera funcionalidad. Lugar en donde grandes artistas contemporáneos se congregaron para hacer parte del grupo de docentes que llevarían a cabo el éxito de la Bauhaus; Artistas como wassily Kandinsky, Paul klee, Lyonel Feininger, Oskar Schlemmer, pioneros de la época. De igual forma László Moholy-Nagy, Johannes Itten, Josef Albers quienes hicieron grandes aportes a la reforma pedagógica de la escuela. Llena de prejuicios y malentendidos la bauhaus cargada con tales cuestionamientos logro convertirse en abreviatura de la modernización radical de la vida. CARACTERISTICAS Uno de los principios básicos de la escuela era formar un movimiento de artistas con plena conciencia social e intelectual, formar jóvenes artistas que no cayeran en lo típico. Perseguían la armonía entre arte e industria. Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo era una meta común en los movimientos culturales de la época que pretendían innovar. Unión de arte y funcionalidad Esta fusión es elemental porque hace que el artista ya no sea una entidad aislada, sino que entra a la sociedad como un personaje útil, interviene directamente en ella. El arte entra a los hogares con una función. Se trataba de crear productos funcionales y económicos pero a la vez atrayentes para el mercado. Para esto se utilizaron materiales más baratos (como metal, vidrio, cristal, madera, entre otros). En Bauhaus se enseñaba a crear. El trabajo manual era la base del artista. Gropius incitaba a sus alumnos a probar con distintos materiales, a conocer sus propiedades, manejarlos y adoptar el que más le acomodara. Consideraban las formas y los colores básicos representaban un precio industrialmente más económico, por lo que las formas del círculo, el cuadrado y el triángulo fueron tomadas como puntos de partida. En las clases sobre forma se empezaba a trabajar con estas figuras elementales y a cada una de ellas se le atribuía un carácter determinado. Así, el círculo era ‘fluido y central’, el cuadrado resultaba ‘sereno’ y el triángulo, ‘diagonal’. La escuela en sí era un laboratorio, querían ejercer una experiencia vivificante en el mercado pero no absolutamente masiva. Buscan la calidad y no una novedad efímera. Para ellos la belleza radica en el material, sin ornamentos. Critican el uso de formas innecesarias.
El cubismo es el movimiento más significativo y transcendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la naturaleza. Su visión del arte es tan radicalmente diferente que conmocionó todo el mundo del arte. A partir del cubismo, el concepto de arte y de belleza cambia radicalmente, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma.
El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni los más radicales fovistas se habían atrevido a romper con el lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiempos griegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente. El cubismo se pregunta, también, por los problemas del volumen y del espacio. Su ruptura con la tradición renacentista e impresionista es total, y busca un nuevo espacio pictórico para sus formas. Una de las características del cubismo es su representación en blanco y negro, consecuencia de su desvinculación con la naturaleza e influido por la fotografía, para facilitar la lectura del cuadro. El cubismo se preocupa por la representación del movimiento y por lo tanto del tiempo: de la cuarta dimensión. El tiempo cobra un nuevo significado tras la teoría de la relatividad de EinsteinPronunciado /éinstein/. El cuadro cubista pretende representar, al mismo tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a mover los ojos para recomponer la figura. El color ceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstrucción del cuadro. La cuarta dimensión está en la mente humana, vemos el mundo con movimiento, con el paso del tiempo, y eso es lo que pretende captar el cuadro cubista. Etapas del cubismo En el cubismo se distinguen, tradicionalmente, tres etapas o estilos: cezaniano, analítico y sintético. El cubismo cezanianoPronunciado /sesaniano/ se caracteriza por sus formas identificables, que son reducidas a formas geométricas puras. Se trata más de un protocubismo que una nueva estética. El cubismo analítico se caracteriza por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. Su objeto es conocerlas, examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión. Es la auténtica la estética cubista, la creadora del nuevo lenguaje. El cubismo sintético se caracteriza por potenciar las partes más significativas de la figura, reduciéndola a sus formas geométricas más puras. No es un cubismo simplificador, pero sí de más fácil lectura. Está altamente estructurado y se potencian las partes más significativas, o que se quiere resaltar. Tras la época clásica del cubismo aparecen tres escuelas: la Sección Áurea (o Sección de Oro), que pretenderá llevar las matemáticas a la pintura de manera consciente, tanto en los ritmos como en las proporciones de la descomposición cubista; el orfismo es el cubismo colorista, un tanto evocador de sueños extraños, está muy cerca de la abstracción pura; y por último está el purismo de la BauhausPronunciado con hache aspirada que reaccionó contra los excesos del cubismo y vuelven a las formas simples y analíticas. Del cubismo surge una nueva técnica pictórica: el colage, al pegar en los cuadro trozos de realidad que facilitan su lectura, también la inventa Picasso. Con el colage la palabra impresa entra a formar parte de la obra de arte. Pero el cubismo es, ante todo, la estética que da el paso definitivo hacia la abstracción pura.
El arte Decó es el aquel estilo artístico que tuvo lugar en las primeras décadas del siglo XX aunque su período de mayor auge y crecimiento fue la década de 1920. París fue la ciudad donde surgió y pronto se extendió a lo largo de Europa así como también en Estados Unidos y algunos países sudamericanos. Este tipo de arte influyó positivamente en todas las artes decorativas como por ejemplo son la arquitectura, el diseño gráfico e industrial y el diseño de interiores, además no solo influyó positivamente a las artes decorativas sino que también influyo en las artes visuales como por ejemplo puede ser la escultura, la cinematografía, la moda, el grabado y la pintura. El término Art Déco, abarca un amplio abanico de ramas y especialidades del arte y la artesanía. Es por eso por lo que este arte se ha considerado muy importante ya que influyó a varias modalidades de representación.
Tiempo después de la Exposición Universal que se realizó en 1900 en París, diversos artistas franceses como puede ser Héctor Guimard, Paul Follot, Emile Decour, Raoul Lachenal, entre otros artistas fueron formando un grupo formal que se dedicaba principalmente al tipo de arte déco de vanguardia. En el año 1925 se organizó otra Exposición denominada como “Exposición Internacional de Arte Déco e Industriales Modernas” aunque el concepto de arte déco se originó en una retrospectiva denominada “Les Annés 25” que fue una exposición que se realizó en Paris. Por esta misma razón el concepto de arte déco es un apócope de termino francés “décoratif”. Se caracteriza por la profusión ornamental, el lujo de los materiales y el frecuente recurso a motivos geométricos y vegetales.
El Art Nouveau fue un estilo decorativo internacional que prosperó durante las dos décadas (ea. 1890-1910) que envolvieron el final del siglo. Comprende todas las artes del diseño, arquitectura, diseño de mobiliario y productos, moda y gráficas, y, por consiguiente, abarcó todos los aspectos del entorno hechos por el hombre: carteles, empaques y anuncios; teteras, platos y cucharas; sillas, marcos de puertas y escaleras; fábricas, entradas del subterráneo y casas. La calidad visual que identifica al Art Nouveau es una línea orgánica en forma de planta. Liberada de raíces y gravedad, puede ondular con energía cambiante o fluir con gracia elegante a medida que define, modula y decora un cierto espacio. Las ramas de las enredaderas, las flores (como las rosas y lirios), las aves (particularmente pavos reales) y la forma de la mujer fueron motivos frecuentes desde los cuales fue adaptada esta línea fluida.
Ideas, procesos y formas en el arte del siglo XX son testimonio de esta importancia catalítica. La arquitectura moderna, el diseño gráfico e industrial, el surrealismo y el arte abstracto tienen sus raíces en la teoría y conceptos fundamentales del Art Nouveau. En los inicios del diseño tridimensional con frecuencia los ornamentos fueron sólo elementos decorativos aplicados a la superficie de un edificio u objeto, pero en el Art Nouveau los objetos, las formas básicas y contornos fueron formados por, y evolucionaron con, el diseño de los ornamentos. Éste fue un nuevo principio de diseño que unificó a la decoración, estructura y función proyectada. Como las formas y líneas del Art Nouveau a menudo fueron inventadas en vez de copiadas de la naturaleza o del pasado, ocurrió una revitalización en el proceso de diseño que apuntó hacia el arte abstracto. El movimiento francés simbolista en la literatura de las décadas de 1880 y 1890, con su rechazo del realismo a favor de lo metafísico y sensual, fue una influencia importante y condujo a los artistas hacia actitudes simbólicas y filosóficas. En una era de escepticismo con un racionalismo científico en aumento y creencias religiosas tradicionales y normas sociales bajo asalto, el arte era visto como un vehículo potencial para un muy necesario rejuvenecimiento. El nacimiento, vida y muerte; crecimiento y decaimiento se convirtieron en temas a considerar. La complejidad de esta época y su movimiento han permitido interpretaciones contradictorias: debido a su decoración algunos observadores consideran al Art Nouveau como una expresión de la decadencia del siglo XIX; otros, sin embargo, debido a la búsqueda del Art Nouveau de valores estéticos y espirituales, lo consideran como una reacción contra la decadencia y materialismo de la época. Las numerosas fuentes a menudo citadas para el Art Nouveau son difusas y de amplia variación. Ellas incluyen el libro de ilustraciones de William Blake, ornamentos célticos, el estilo Rococó, el Movirniento de las Artes y los Oficios, la pintura anterior a Rafael (pre-rafaelismo), el diseño decorativo japonés y las impresiones en bloques de madera del ukiyo-e. Una importante inspiración también llegó de la pintura de la década de 1880, la cual había sucumbido al hechizo asiático. Las formas ondeantes de Vincent van Gogh (1853-1890), el contorno orgánico estilizado y de colores pasteles de Paul Gauguin (1848-1903) y el trabajo del grupo Nabis de jóvenes artistas desempeñaron un papel importante. El grupo Nabis exploró el color simbólico y los modelos decorativos, y concluyó que una pintura era, en primer lugar, un arreglo de color en patrones de dos dimensiones.
El Dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916. Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos. Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó como una ideología o una forma de vivir. Su fundador fue Tristan Tzara. Una de las teorías del nombre Dadá, es que significa balbuceo o primer sonido que dice un niño, y surgió cuando buscaban en un diccionario un nombre artístico a una de las cantantes. Inmediatamente identificaron este nombre con el nuevo estilo que buscaba empezar desde cero.
El contenido de movimiento Dadá era el siguiente: Protesta continua contra las convenciones de su época. – Actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor. – Medios de expresión irónico-satíricos, a través del gesto, el escándalo, la provocación. – Poesías ilógicas o de difícil comprensión (El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos). – Inclinación hacia lo dudoso, rebeldía, destrucción, terrorismo, muerte y nihilismo, lo fantasioso, etc. – Promoción por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, el caos, lo imperfecto, la intuición. – Manifestaciones contra la belleza, la eternidad, las leyes, la inmovilidad del pensamiento, la pureza de los conceptos abstractos, lo universal, la razón, el sentido, la construcción del consciente. – Negativo y en contra el modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y abstraccionismo. – Quieren volver a la infancia. – Consideran más importante al acto creador que al producto creado. En cuanto a la gráfica se caracterizó por: – Renovación de la expresión mediante el empleo de materiales inusuales. – Montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano presentándolos como objetos artísticos. – Collage de diversos materiales (papeles, etiquetas, prospectos, diarios, telas, maderas, etc.). – Fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y la provocación.
El Diseño Editorial es la estructura y composición que forma a libros, revistas, periódicos, catálogos, caratulas, volantes, afiches, entre otros. Enfocada de manera especializada en la estética y diseño tanto del interior como el exterior de los textos. Busca lograr una armonía Texto-Imagen-Diagramación.
Es igual al modelo o diseño de una letra determinada.
Tipografía:
Es el arte y la técnica de crear y componer tipos para comunicar un mensaje. También se ocupa del estudio y clasificación de las distintas fuentes tipográficas.
Fuente tipográfica:
Esta define el estilo o apariencia de un grupo completo de caracteres, números y signos, regidos por unas características comunes.
Familia tipográfica:
Conjunto de tipos basados en una misma fuente, con algunas variaciones, tales, como el grosor y anchura, sin embargo mantienen características comunes y los cada miembro cuenta con rasgos propios.
Función:
La función de la tipografía, así como de la caligrafía, consiste en comunicar a la imaginación, sin perder nada por el camino, la imagen que intenta transmitir el autor. Y la función de la tipografía bella no es hacer de la belleza algo que se convierta en un fin en si mismo por encima del contenido, sino facilitar la comunicación por la claridad y belleza del vehículo por un lado, y por otro aprovechar las pausas y paradas que se producen en esta para intercalar aquellos elementos de serena belleza que hacen de la tipografía un arte.
Adobe After Effects es una aplicacion para la creación, composicion y edicion de graficos digitales en movimiento.
After Effects se usa principalmente para efectos especiales e imagenes en movimiento. Permite animar, alterar y componer creaciones en espacio 2D y 3D con varias herramientas internas.
¿Qué es? La identidad corporativa es el conjunto de piezas, aspectos, ideas, métodos y técnicas que una empresa usa para diferenciarse del resto. Cuando una marca es asociada con un color, una combinación de colores, formas, imágenes, frases, música, etc. cuenta con identidad corporativa. La Identidad Visual es un componente de la Identidad Corporativa, pero no el único: la identidad de una empresa abarca más que su dimensión visual. La Identidad Corporativa se compone de gran cantidad de características que necesitan ser clarificadas y estructuradas, incluyendo la orientación, la filosofía y la comunicacón.
Solo un análisis estructurado, y bien definido puede conducir a una clarificación de la personalidad corporativa y a la diferenciación clara de la competencia. Un programa de identidad corporativa es sobre todo una herramienta de gerencia, que puede ayudar a identificar y a manejar sistemáticamente las estructuras, los temas y la personalidad de una empresa.
Las metas antedichas pueden ser alcanzadas solamente si la identidad corporativa se convierte en lel principio de guía para todas las actividades de la empresa. Considerado de este ángulo, la identidad se refiere no solamente a una carpeta o a los folletos, si no que implica una relación armoniosa entre todas las actividades comunicacionales. Todo lo que la empresa hace, dice y comunica amplía su identidad, consolidándola o debilitándola. Por esta razón todas las divisiones de una empresa deben reflejar valores y objetivos comunes. Esto se aplica especialmente a la calidad y al diseño de productos y servicios, la arquitectura de los edificios de compañía, del contenido y del diseño formal de los medios de comunicación, así como las acciones internas y externas de la empresa. Cada departamento o división es parte de un conjunto y afecta las otras piezas, puesto que la empresa se comunica a través de todo que lo hace o no hace, las veinticuatro horas del día.
Diseñar es fácil y muy rápido. Un trabajo se requiere horas, días, hasta meses y se necesita investigar, empaparse del tema, se necesita buscar tipografías, escoger colores, detalles, etc… Nada es fácil en esta vida. Los diseñadores tenemos una bola de cristal donde sabemos que es lo que realmente quiere el cliente. Esto se debe a que casi siempre el cliente no nos da los datos completos o suficientemente claras, entonces se cree que el diseñador va a sobre entender o “adivinar” lo que el cliente va a querer. Por eso cuando uno entrega el trabajo final, la lista de cambios son interminables. Diseños abstractos o minimalistas = pérdida de dinero. Muchos dicen que no tienen sentido o que “ahí le falta diseño”. Recibiremos muchos malos comentarios que nos harán desanimar en el camino, pero no hay que darse por vencidos, lo abstracto y lo minimalista es un estilo que se aprende, y bien por los que lo valoran. ¿Helvética es la mejor fuente que puede existir? No es que la Helvética sea la mejor fuente, de por sí es una fuente muy criticada y alabada al mismo tiempo, pero es la más usada. Los diseñadores saben dibujar. Es cierto que algunos diseñadores saben ilustrar, pero cada diseñador tiene su estilo, muchos lo hacen de manera digital, o muchos de ellos ni saben dibujar. Todos los diseñadores son capos en todos los programas existentes de diseño. Todos tenemos nuestro fuerte y gustos, no todos debemos de ser genios en todos los programas, algunos utilizamos o preferimos uno en especial y es dependiendo de nuestra rama. ¿Somos explotados en nuestro trabajo? Estos casos existen en todos los trabajos, muchas veces los trabajos de diseño dependerán de mucho más tiempo del estimo, pero siendo sinceros, sea en la oficina o en nuestra casa, cuando nos concentramos en diseñar nunca nos damos cuenta del reloj, en algunos casos es amor al arte. Cualquier diseñador es un experto en Photoshop, In Design, Illustrator y Corel Draw: “Cualquier médico es un experto en trastornos maníacodepresivos” ¿Te parece estúpido verdad? Pues es algo similar. Esto no es así ni mucho menos. Dependerá de la especialización del diseñador gráfico y por supuesto de sus preferencias.
La serigrafía es un método de estampación que nos permite transferir imágenes trazadas en una plantilla sobre una malla con tinta, a una superficie. Esta técnica puede presumir de tener miles de años de historia. Aunque no se le atribuye a ningún autor en concreto como la imprenta o la litografia, se reconoce su uso por los egipcios y los chinos, y aún hoy sigue estando a la orden del día. La serigrafía es una de las técnicas de estampación más populares del mundo gracias a su sencillez y economía.
¿Para que se utiliza? Habitualmente la serigrafía se ha utilizado para hacer cartelería, camisetas, telas estampadas o incluso para cerámica, pero los usos se amplían a todo tipo de impresiones: Tarjetería, marquesinas, etiquetas…
La litografía es una técnica de grabado inventada en 1796 por Aloyw Senefelder en Munich y que pronto atrajo la atención de numerosos artistas como Goya que ya en 1819 mostraba sus grandes posibilidades.
Se trata de un proceso de impresión que consiste en reproducir sobre papel lo dibujado con una tinta especial o lápiz graso (barra litográfica) sobre la superficie de una piedra calcárea compacta y muy homogénea. Esta piedra calcárea tiene forma de placa gruesa con sus dos caras opuestas paralelas y una de ellas pulida muy finamente y con las aristas rebajadas.
Existen dos métodos dentro de la litografía:
Uno es conocido como el método calcográfico en el que el litógrafo dibuja directamente sobre la piedra con una plumilla de acero.
El otro es el litográfico, que consiste en transportar un dibujo realizado en un papel a la pieda por medio de tinta o un lápiz graso.
El proceso de impresión se basa en la repulsión entre diferentes sustancias grasas y el agua y en la propiedad que tiene este tipo de piedras de retener las sustancias grasas. Tras obtener el dibujo sobre la piedra (directamente o mediante el transporte desde el papel), se humedece con una esponja la superficie de la piedra y se pasa por ella un rodillo de entintar.
Las partes grasas que son las que constituyen el dibujo y por lo tanto han rechazado el agua, retienen la tinta, la cual es rechazada por las partes húmedas de la piedra que corresponden a los espacios no dibujados.
Una vez entintada la superficie se superpone una hoja de papel humedecido sobre la que se ejerce presión con un torno litográfico, obteniendo el traslado al papel de la capa de tinta que constituye el dibujo. Es una técnica que soporta grandes tiradas.
Freelance es un término inglés, adaptado por las sociedades para describir a aquel trabajador por su propia cuenta. En la antigüedad se le llamaba Freelance a los mercenarios, estos eran personas sin jefe ni responsabilidad determinada hasta el momento en el que alguien les contrataba para cumplir con una tarea, estas tareas por lo general consistían en asesinatos y secuestros. Hoy en día el término es más genérico, luego de ser acuñado por escritores ingleses y españoles y también al ser adaptado a los diccionarios de Oxford y la RAE. Cuando nos referimos a un Freelance es porque estaremos consientes que su jefe y su tiempo son de el mismo, sin importar el establecimiento que tenga, un trabajador Freelance ejecuta su labor en el tiempo en el que el considere necesario y oportuno.
El trabajador que es Freelance completamente no tiene ningún contacto con quien lo contrata, el pago de su trabajo se hace mediante métodos electrónicos así como también se establecen las directrices que debe seguir. El término se hizo más fuerte con la llegada de la era de las computadoras a la sociedad, esta nueva forma de comunicarse dio paso a nuevas maneras de informar, por lo que la carrera en la que es más común ver el término en ejecución es en el periodismo. Las cadenas de información de internet contratan a personas para que indaguen personalmente o a través de la red acerca de una información determinada, este la sintetiza dándole su toque técnico y personal y establece una dirección nueva disponible en la red para contemplar la noticia que el escribió y edito. Los trabajadores Freelance por lo general no tienen un sitio establecido donde trabajar, por lo que en cierta parte también representa una inversión en el caso que la ganancia lo permita, pues en el caso de muchos escritores, estos trabajan desde su casa, por lo que deben pagar por el servicio que utilizan, internet, luz eléctrica, comida, equipos, entre otros. Es importante destacar que esta nueva modalidad de trabajo es una forma más liviana de ganar dinero, muy práctica tanto para los jefes como los trabajadores, ya que el ahorro de espacio y dinero es significativo.
Muchas veces confundimos Diseño Gráfico y Diseño de la Comunicación Gráfica, técnicamente son similares, la pequeña diferencia radica en que el D.C.G. tiene un carácter científico por la parte de la comunicación además del carácter formal de las artes gráficas que todo diseñador gráfico utiliza.
¿Que es DISEÑO GRÁFICO? Entonces el diseño fráfico oDiseño de la Comunicación Gráfica es una profesión en la que se lleva acabo un proceso que está compuesto por una serie de fases que en síntesis son: El análisis La investigción El modelado La adaptación Y la producción Cabe mencionar que estas bases no son definitivas ni las únicas. Además, al L.D.G. podemos encajarlo sin temor a equivocarnos dentro de tres grandes áreas como la Ciencia, el Arte y la Tecnología. También el diseño es un proceso, esto requiere decir que hay aspectos que puedes sistematizarse, este proceso consiste en tareas como:
Seleccionar Proyectar Organizar Programar Coordinar En este proceso se buscan soluciones a problemas de comunicación de carácter visual. el resultado son elementos gráficos visuales con características y funcionales que comunican un mensaje claro y especifico. Elen el diseño la comunicación gráfica está compuesta por:
Un contenido Un argumento Una configuración
Este mensaje y sus componentes están enfocados a grupos de personas bien específicos. Son desarrollados mediante el uso del lenguaje visual (las formas, el espacio, el color, la tipografía, texturas e imágenes) y la sintaxis visual para componerlos. Finalmente, estos mensajes gráficos son transmitidos en un medio que por lo general puede ser impreso, tridimensional y digital o electromagnético.
"El diseño es el esfuerzo de hacer productos de tal modo que sean útiles para las personas. Es más racional que irracional; más que resignado, cínico e indiferente, es optimista y está proyectado hacia el futuro"
Diseño significa ser perseverante y progresivo en lugar de escapar y abandonar.
En una fase histórica en la que el mundo externo se ha vuelto menos natural y cada vez más artificial, el valor del diseño aumenta. La labor de los diseñadores puede contribuir de forma más concreta y eficaz a una existencia más humana en el futuro.
– Dieter Rams
Finalmente el campo de acción en el D.C.G. es amplio: puedes hacer Editorial Cartel Envase y embalaje Fotografía Ilustración Imagen corporativa Señalética Exposiciones Multimedia Diseño Web
